Fondazione Prada anuncia su nuevo programa de Enero a Marzo del 2016

El festival “Flesh, Mind and Spirit” reúne una selección de 15 filmes realizada por el director ganador del Oscar, Alejandro González Iñárritu (Ciudad de México, 1963) en colaboración con el crítico de cine y curador del Museum of Art Film de Los Ángeles, Elvis Mitchell. Las proyecciones serán gratuitas, previo a reservación, y se llevarán a cabo en la sala de cine de la Fondazione Prada del 13 de enero al 1 de febrero de 2016, excepto los martes.

El concepto del festival fue presentado por primera vez en 2009 en Prada Transformer, el recinto diseñado por OMA en Seúl y ofrece una ocasión única para experimentar las reacciones y emociones que los directores sintieron cuando vieron por primera vez estos filmes. “A pesar de que se trata de una selección extremadamente ecléctica, las cintas comparten un factor común: son experiencias llenas de emoción. Todas ellas provocan en mí apetitos que nunca había experimentado”, explica Iñárritu.

Los filmes están divididos en tres categorías que se distinguen por una palabra clave: “Flesh” incluye a Fists in the Pocket (1965), Aguirre, the Wrath of God (1972), Seasons of the Year (1975), Killer of Sheep (1977), Padre Padrone (1977), Yol (1982), and The Good, the Bad, the Weird (2008); “Mind” comprende Last Year at Marienbad (1961), I am Cuba (1964), La Ciénaga (2001), y You, the Living (2007); así como “Spirit” abarca Ordet (1955), Mother and Son (1997) y Silent Light (2007). Como Elvis Mitchell enfatiza, “muchos de éstos son acerca de familias en crisis y que éstas sobrevivan, es clave en la forma en la que Iñárritu trabaja, piensa y siente como artista y persona”. Una proyección especial de la cinta de Pál Fejös, Lonesome (1928), con música en vivo, inaugurará el festival el 13 de enero de 2016.                                                                                

La muestra “To the Son of Man Who Ate the Scroll” será presentada del 4 de febrero al 19 de junio de 2016 en los espacios para exhibición de Podium y Cisterna. El proyecto fue concebido y diseñado por Goshka Macuga (Warsaw, Polonia) cuya práctica artística usualmente se habla acerca de asumir los roles de artista, curador, coleccionista, investigador y diseñador de exhibición. Macuga trabaja con un amplio rango de medios que abarcan la escultura, instalación, fotografía, arquitectura y diseño.

“To the Son of Man Who Ate the Scroll”, desarrollado por el artista para los espacios de Fondazione Prada, es la culminación de un largo periodo de profunda autoexploración cuya finalidad era intentar formular una categorización metodológica del material y la información alrededor de los problemas trascendentales como el tiempo, los principios y finales, colapso y renovación. En la exposición, Goshka Macuga explora el arte de la memoria retórica y artificial como herramientas intrincadamente vinculadas para la organización y avance del conocimiento humano. Históricamente, el Ars memorativa (el arte de la memoria) creó la fundación para memoria artificial al expandir y desarrollar la memoria natural a través de visualizaciones complejas que ayuden a recordar información específica.

Al observar la preocupación humana por la conclusión de la raza, Macuga presenta una pregunta fundamental: ¿qué tan importante es abordar la cuestión del “fin” en el contexto de la práctica del arte contemporáneo? Nuestra habilidad, como seres humanos, de concebir al universo abstractamente e imaginarnos objetivamente nos da un punto de vista ventajoso desde el cual podemos observar la época en la que vivimos como una de las muchas en la historia del universo, resultando en que imaginemos una existencia más allá de nosotros, un universo sin humanos. En dicho escenario apocalíptico, algunos han especulado acerca del rol de la tecnología y los robots como contribuidores potenciales en la extinción de la humanidad y como sus sucesores en dominio.                                                                                         

“L'image volée”, un espectáculo grupal curado por el artista Thomas Demand (Munich, 1964), será presentado en ambos niveles de la galería Nord del 17 de marzo al 28 de agosto de 2016. La exhibición gira alrededor del la idea que todos nos erigimos sobre los hombros de alguien más y explora cómo los artistas siempre han hecho referencia a la imaginería ya existente para crear la propia. Cuestionando los límites entre originalidad, inventiva conceptual y la cultura de la copia, el proyecto se enfocará en el robo, autoría, anexión y el potencial creativo de tales búsquedas.

Situado en una muestra especial de arquitectura del escultor Manfred Pernice, el show presentará 80 obras realizadas por 45 artistas, aproximadamente, entre 1820 y el año en curso, incluyendo comisiones creadas por John Baldessari, Oliver Laric y Sarah Cwynar, entre otros. Un libro ilustrado acompañará al proyecto, con ensayos de Russell Ferguson, Christy Lange, cuentos cortos de Ian McEwan y Ali Smith, e intervenciones por Rainer Erlinger y Don McLean, publicado por Fondazione Prada.                                                                           

Desde finales de noviembre de 2015 hasta el 10 de enero de 2016, Cisterna albergará la tercera selección de “Trittico”, una dinámica exhibición concebida por el Consejo del Pensamiento de Fondazione Prada (Fondazione Prada’s Thought Council) –conformado por Shumon Basar, Cédric Libert, Elvira Dyangani Ose y Dieter Roelstraete– que presenta tres obras seleccionadas de la Colección Prada (Prada Collection) actual. Reflejando el tema de la representación del mundo animal, las piezas siguientes podrán ser admiradas: Did you know I am single too (2014) de Paola Pivi, Turisti (1997) de Maurizio Cattelan, y la instalación Lost Love (2000) de Damien Hirst.                                                                                     

La muestra “An Introduction”, actualmente presentada en las galerías Sud y Deposito, será mostrada hasta el 1 de mayo de 2016. Presentando obras de la Colección Prada, el show ahora termina con la instalación de John Baldessari, The Giacometti Variations (2010).